冰淇淋与雨声

一镜到底：时间的凝固与流动松居大悟的《冰淇淋与雨声》以74分钟一镜到底的拍摄手法，将青春的热烈与虚无编织成一场视觉与情感的实验。

长镜头既是技术挑战，也是叙事核心——它既凝固了排练到演出的线性时间，又通过空间调度实现了时间的跳跃式流动。

演员穿梭于公寓、街道、剧院之间，镜头如幽灵般游走，将几周的排练压缩进一场“即兴”的连续表演。

这种手法既呼应了青春期的混沌与无序（“时间在流逝，我们却原地踏步”），也让观众被迫直面角色情绪的连贯性与破碎感。

然而，长镜头的意义不止于炫技。

当镜头跟随女主角森田穿过走廊、推开门的瞬间，场景切换与时间跳跃被无缝衔接，现实与戏剧的界限悄然溶解。

正如导演所言：“一镜到底是现实与电影永远无法实现的奇迹”，它既是对传统蒙太奇的叛逆，也是对青春“不可逆性”的隐喻——每一步都是唯一，每一次选择都无法撤回。

---虚实边界：画幅与身份的暧昧游戏电影以画幅的伸缩作为区分“现实”与“戏剧”的视觉密码：16:9的日常排练与2.35:1的舞台剧场景交替出现，仿佛在提醒观众“此刻是表演，彼刻是生活”。

但这种提醒本身却是虚晃一枪——演员以真实姓名出演角色，导演本人客串剧中导演，戏中戏《Morning》的台词与排练者的心声重叠，形成三重嵌套的叙事迷宫。

更微妙的是，当演员直视镜头喃喃自语时，第四堵墙的打破不再是一种间离，反而成为情感的共振器。

观众被迫直面角色的困惑：“我不知道什么是现实，但这样很有意思。

”这种暧昧性在结局达到高潮：空荡的观众席与雨声般的掌声交织，舞台剧的失败与青春的胜利在此刻合二为一。

冰淇淋的速朽与雨声的短暂，最终被凝结为一种永恒的“中间状态”——既非纯粹的现实，也非虚构的幻梦，而是青春独有的、虚实交错的诗意。

---中二与虚无：青春的双重面相影片的争议性恰恰源于其主题的撕裂感。

一方面，MOROHA乐队的说唱以近乎暴烈的节奏嘶吼着“饮下亿万滴眼泪，化作决心吐出”，将少年的热血推向极致；另一方面，戏中戏《Morning》的剧本却充满虚无主义的底色——弑母、背叛、逃离小镇的绝望，与现实的“无观众演出”形成残酷对照。

这种矛盾正是青春的缩影：中二的激情与虚无的底色并存。

正如女主角森田在排练中反复质问：“改变世界的革命在哪里？

”答案或许藏在乐队的一句歌词中：“梦想是否实现不重要，追逐的过程已让人生熠熠生辉。

”影片拒绝为青春提供标准答案，而是以近乎笨拙的姿态拥抱其复杂性——热血是真实的，徒劳也是真实的；反抗是必要的，失败亦是必然的。

---形式与内容的辩证：一场未完成的实验《冰淇淋与雨声》的缺陷与魅力同样鲜明。

批评者指责其形式大于内容，台词流于空洞（如“所有人都是无聊的”），角色的愤怒缺乏深层动机。

然而，这种“粗糙感”恰恰与青春的本质相契：未经雕琢的呐喊、未完成的剧本、排练中的走音与错位，共同构成了一种“活着的证据”。

导演松居大悟的野心或许不在于讲述一个完美的故事，而是通过形式实验捕捉青春的流动性。

当镜头最终定格在空荡的舞台，雨声如掌声般倾泻而下，我们看到的不仅是六个少年的谢幕，更是所有人在成长路上必经的仪式——即便无人喝彩，也要将热情烧成灰烬。

---结语：在速朽中寻找永恒《冰淇淋与雨声》是一封写给失败者的情书。

它用冰淇淋的融化隐喻青春的短暂，用雨声的喧嚣替代缺席的掌声，最终在虚实的裂缝中完成对“存在”的确认。

正如片中那句台词：“时间会湮灭一切，但这份热情可以被保存。

”当银幕暗下，我们或许会想起自己曾为某个“不可能”的梦想奋不顾身的时刻——那一刻的笨拙与纯粹，正是青春最动人的遗产。

8.5‘制作费是笔和A4纸，梦想不会来到你身边而实现，梦想只有努力追逐才会变为现实。

是否能够实现并不重要，只要有梦想人生就会熠熠生辉。

’一镜到底让我们在现实与虚拟的时空中穿梭，花瓶裂开的缝隙照进阳光。

让时间把梦想和热情带走，你甘心吗?导演用画幅的变换取代了转场，从16:9到2.35:1，画幅的轮替像一次呼吸，存在却容易被忽略。

‘以前开班会选班委的时候，毛遂自荐的我输给了朋友举荐的人气选手，我到现在还记得向我投来的无数的嘲笑眼光，如果当年用那种眼神看过我的同班同学中，现在有人在看这部电影的话，请你务必保持那种眼神。

’嘶吼，挣扎，转身空无一人。

这是一首写给想要站上舞台的人的情诗，吞咽下喉咙中的泪水，感动于创作者的执念。

剧院，就是我离开的车票了 影片的最后，镜头逐渐拉开，少男少女们在舞台上站成倔强的模样，不羁地凝视着前方。

是剧场，也是影院中的观众。

《冰淇淋和雨声》是一部戏剧与现实不断交织，共同带动故事情节向前的电影。

最吸引人的“噱头”，无疑是74分钟的影片“一镜到底”。

就像是舞台上的演出，情绪一泄到底，酣畅淋漓。

故事主线非常简单，少年们被选中出演舞台剧，排练了一段时间后，出于某种原因演出被取消。

饰演女主角的想，兴冲冲进入排练厅的时候，典型中年商人模样的制作人，正和大家解释着因为销售情况不佳，演出需要取消。

大家那么些天的排练，都“白费”了。

少年们低着头不说话。

有些人默默接受了这成年人世界的规则。

想却不甘心，拉着一些同伴继续开始排练。

故事继续，她仍然是戏里那个即将看着朋友离开小镇的“想”。

表面上是不顾一切的青春，是为了梦想的”燃”，但《冰淇淋和雨声》的故事内核，是属于青春的“离开”。

属于青春的离开，太多作品想要讲这件事了。

曾经看过一部意大利电影，滨海小镇上打打闹闹的青年，一群人中有不学无术的，有早早泥足婚姻的——也有在清晨5点乘上火车，离开仍在沉睡中的小镇的。

“离开”，无疑是属于青春的，最重要的母题之一。

离开小镇，意味着剥离平庸，拒绝泥足的可能性。

在最初的那段排练中，我们看到想和戏中的闺蜜聊起了即将的分别。

闺蜜一心要离开小镇。

她在想的挽留中，显得决绝而冷酷。

她说小镇太无聊，一切都很无聊，多数的“朋友”都是无聊的。

“除了你。

不，大多数情况下，你也很无聊。

” 她对想说。

恰恰是这出戏中戏的内核与现实中情节内核的契合，成就了《冰淇淋和雨声》现实与戏剧交织的完美融合。

少男少女们在各种现实的场景下说起了戏中的台词，流露出戏中的情绪。

除了画幅比例的略为不同，从演绎上甚至很难分别戏与现实。

因为现实中的少男少女，也是一样想要离开。

在想要逃离平庸现实和无可避免地远离青春的不甘之间，被拉扯着。

雨天，红甘撑着伞蹲在楼下，像一朵蘑菇。

她温柔而尴尬地抬起头说，不知道可以去哪里呢。

为了呈现一台精彩的剧而拼劲全力，忽然目标被抽离，就好像奔跑的赛道被人抽走，倏忽之间的下坠感。

我曾经了解这种无所适从。

是因为太突然了，大多数人会对例如团队解散、项目取消一类的事情感到“无所适从”。

下一步应该怎样做呢？

不知道啊。

就连亦舒小说中的女主角，在接到医院电话的时候也会想：戏剧真好，写一个情节，接下去就是一个转景，不用学习“接下来该怎样做”。

比如接到电话，就僵在那里了，应该怎样做呢？

戏里的孩子们想要逃离小镇，离开平庸的生活。

戏外的孩子们则通过不断地浸入戏剧，来实现他们对残酷人生的逃离。

戏里的人生，多么猎奇又多么刺激啊。

戏里的想和闺蜜成了杀人犯，神经质的想危险又富有魅力。

戏外的想是个人缘极好的女孩子，却也忍不住想要试探着超出规则之外。

“戏已经取消了。

” 对于这件事，她拒绝接受。

她在每一次与团队其他成员见面时，绕回戏本身；甚至在原定公演当日，冲破安保，站在台前奉献了真正属于舞台的演出。

她的拒绝，代表着她对于“青春渐逝，现实残酷”的拒绝与“逃离”。

冰淇淋是甜美梦境，雨声则是现实的噪音。

当然如果你愿意，雨声也可以是催人入眠的伴奏，冰淇淋则是带来满足的“毒药”。

虚幻与现实，安谧与诱惑。

红甘与想，在雨中走过拥挤的小巷，一路交谈走进剧场。

伴随着淅淅沥沥的雨，她们吃着棒冰。

一路走进剧场，梦的焦点。

剧院对人们而言，代表着什么？

对于现实生活着的人们而言，剧院就是一台造梦机。

有多少上班族，日夜加班，唯有在剧院的那一夜得以喘息，投身另一个精彩纷呈的世界；有多少戏剧制作者、演员，领着微薄的收入，只因为在舞台的释放能够燃烧真正的自我。

想和同伴们，躲过了安保，绕过了人群，偷偷来到后台，化了妆等待“开演”。

大幕拉开前，他们围成一圈为彼此打气。

我喜欢他们围成一圈的样子。

我记得4月看《罗密欧与朱丽叶》，每次开场前，那群人必然要在大幕后面这样打气。

看了十场，每次如此，让人觉得……他们有团魂？

这样说不知道是否合适，以我浅薄的理解可能确实如此了。

想和伙伴们，也是这样。

这大概就是年轻人应该有的样子。

大幕拉开，舞台呈现，镜头逐渐拉开，少男少女们在舞台上站成倔强的模样，不羁地凝视着前方。

是剧场，也是影院中的观众。

这样，它结束了。

将虚幻与现实揉碎，捏成好看的形状，调和一些不那么美妙，非常情绪化的音乐和唱词。

这，就是它了。

即便如愿公演，想和她的朋友们，最终要面对剧院外的雨声。

我和影城的观众在周六的上午，其中有一些人哭得像晒化了的冰淇淋。

看后才知其噱头是一镜到底...但影响不大， 结构形式本身才是此片精髓——正是冰淇淋和雨声这两个元素所抛出的边界问题：哪些是电影真实？

怎么把观众现实A、电影现实B、电影中的舞台剧剧情C混合起来，让电影游离于真假之间？

第一步使用真实故事作为背景（确有一组取消演出的青少年/宣传噱头？

）及一部来自Simon Stephens的好话剧Morning，使用演员的真实名字、导演的出镜带来一定程度纪录片的效果；加上一镜到底来强调真实感、让排练穿插在B现实中（顺便讲完C剧本故事并以此映衬B时空的青春情绪）、让旁白般的配乐表演适时出现在B与C时空中并时不时对A发言；最后用话剧Morning即C时空的节奏和情绪置换B的，完成对A观众的情绪控制。

放在建筑学视角而言，就是一部拥有所谓“现象学透明性”且颇有构成主义色彩的电影，也可以说是赋格的思维，其一切组织的核心都是构成，通过不同层面的构成带来情绪节奏的张力，内容的表达则可遇不可求（于这部电影就是无关紧要了），正如导演开头就借自己口告诉观众“故事情节没那么重要”。

就此方面而言，电影是相当成功的。

然而一切美好的所谓“中间状态”的模糊都被哪天熬夜熬抽了脑子的导演给用画蛇添足的遮幅给大大减弱了…关于中间状态还有一点，此片one cut下的转场的时间是跳跃式的，一方面竟意外带来B时空层面很不错的角色情绪的连续性，但同时又有种蒙太奇感——于是就此而言中间性有点Dilemma了：为强调真实性而一镜到底，但时间跳跃带来蒙太奇的感受，又减弱了那为一镜到底而努力的意义…总之一镜到底的宣传效果大于电影意义，不过谁不想点亮稀有成就“one cut导演”呢。

电影对Simon Stephens 的Morning的改编就保留原作的意义而言相当成功，几可说是同人作了；但并不符合电影改编的目的。

原剧本简介如下，翻谷歌前两页，唯莱比锡剧场的介绍最佳：„Nichts wird irgendwas ändern.“ Als Teenager in einer durchschnittlichen Vorstadt, die Mutter krank, der kleine Bruder nervig, die beste Freundin zieht weg — die Lage erscheint ihr aussichtslos. Alles ist scheiße. Was sie innerlich zum Kochen bringt, dringt in stichelnden Provokationen an die Oberfläche. Aber die Außenwelt reagiert kaum. Es scheint die gewöhnliche Rebellion eines Teenagers bis Stephanie eine letzte Grenze überschreitet. Ohne erkennbares Kalkül, beinahe mühelos tut sie, was nicht ohne Reaktion bleiben kann. 随手谷歌，无校对："Nothing will change anything." As a teenager in an average suburb, her mother is ill, her little brother is annoying, her best friend is moving away - the situation seems hopeless to her. Everything sucks. What makes her boil inside comes to the surface in teasing provocations. But the outside world hardly reacts. It seems like an ordinary teenage rebellion until Stephanie crosses one last line. Without recognizable calculation, she does almost effortlessly what cannot go unnoticed. 另Perlego的简介It's the end of summer in a small, claustrophobic town and two friends are about to go their separate ways: one to university; the other will be staying local. But no matter what separates them, they will always share one moment: a moment that changed them forever. 'I missed first time. I could feel his skull caving in. It was like a shell.' 可见原剧本的虚无主义内核与导演插入的中二“生命力”的改编核心基本相悖，虽然原剧本的彻底工具化使内容和电影脱节，这一定程度上削弱了观众对B与C内核矛盾的感知，加上MOROHA热血缝合，大体上是糊过去了。

但这个纸糊的缝隙随着电影发展逐渐撕裂——尤其到结尾处女主一段吐槽音乐 电影 演出 电视 体育 吃的全都是垃圾、神和希望都不存在之后，又如何能用一句“把亿万句叹息吸进，化作希望喊出，把亿万眼泪饮下，化作决心吐出”（改自字幕）衔接呢？

许多观众对其内容乃至音乐的不认可很大程度来源于此。

对剧本正能量式的改动或许是为了契合B时空的角色心理，但这个剧本本身就选错了，“目的是描绘青春疼痛”、描绘虚无与叛逆的剧本中只有叛逆一点勉强切B时空的题。

抛开这些问题，我十分喜欢MOROHA的配乐表演，它无论从哪个方面而言都撑起了半部电影，此中尤其喜欢其用了能剧的表达技巧，配合表演又显得特别金属，现代而不失传统风味，总之特别好！

MOROHA最后一段在摄影师走向观众席上楼梯时，完全踩在几个“亿万”的节奏上，好爽。

另，40min末出现冰淇淋的时候导演竟还不忘夹带私货出现了本Byplayers剧本 : )

「时间能解决一切 无论是失恋屈辱或是后悔 都能靠时间解决 所以我只是吃饭呼吸洗澡睡觉 仅此而已 然而 为什么我 为什么你还是 拼命想要抓住这份稍纵即逝的情感 为什么 为什么」「请不要因为失落而原谅自己 和只会苦恼的自己作斗争很无耻 这只是为了说服自己而做的样子吧 分析弱点做出总结 理应比昨天更进一步 为什么 是错觉 不如说是恰恰相反 我一步都没有向前 原地踏步 只有时间在流逝」「时间啊 时间可以解决一切 失恋屈辱后悔全都会在时间中得到解决 以前也是这样过来的 憎恨疼痛苦楚 甚至连有过的梦想 嫉妒过的对象 无法转交的思绪 时间都会一一解决 将之化为乌有 这样就可以了 这样就放下了 这样应该就好了 但是我还是不想这样 还是不愿这样 因为那些东西都是属于我的 因为再坏再不堪 也是我的一部分 还给我 还给我 让时间带走一切你甘心吗 还给我 都还给我」

这部电影最大的问题其实是年轻导演都会犯的一个毛病：用力过猛，形式太过于大于内容，或者说内容过于单薄故而显得形式复杂。

它围绕着“电影”-“舞台剧”-“现实”建构了一部青春物语。

从舞台剧层面，它以一对少女时期的朋友将要分别为起点，即B要离开这个地方，A则不想和B分开，要么B留下，要么A跟着B一起走。

这种分别实际上是用来表示青春期对外在世界的一种不满，比如舞台剧里不断出现“这个地方没有意思“，“这里的人很无聊”，“这个国家出了问题”，好像自己才是有趣的那个，但是他也不否认自己本质上也是一个空心人。

在舞台剧外的现实层面，舞台剧导演（也是电影导演）大松不断要求女主角要表演得有活力，表现出生命意义，尽管女主角一再觉得这种表述很抽象，但本质上是她“演技太好了”、“很认真地在演戏”，因而这部电影还是在讲所谓青春叛逆的活力那码事。

而舞台剧中，A试图把B留下的举措是使B成为“共谋”——当男朋友C和朋友B并不配合自己上演3P戏进行肉体连接后，她选择和B一起杀掉C，当然这没有阻止B的离开。

B似乎并不在意一起杀掉C，也坚信A不会说出去。

吊诡的是，舞台剧关于“B要离开”这一话题就停止了，“C死了”造成的悬疑案尽管在后续后文反复提及（“警察来找过你”），但全部被女主角A“我好不幸福”一系列同语反复文本吞得一干二净，里面所有出场的人物似乎天然都没有道德包袱，好像青春就是对的，世界就是错的。

片子强调每个人都必须被尊重（我们的个体生命都是一个小宇宙那什么台词我看的都想死），但影片中的每一个角色都是一个模子刻出来的：在日本某个小城镇，无聊、空虚、自大、自嘲。

电影中的现实也在表达同一个意思：因为“大人们”商业上的考量导致舞台剧无法上演，于是这几个演员想尽办法在本来预定好表演的当天冲进剧院，面对空无一人的坐席开心地演出。

简直离谱。

大松尽可能地用花里胡哨的技法（第四堵墙、长镜头等等）想要让这部片变得“有趣”，但根本没法遮蔽表达的肤浅。

它有日本电影惯有的青春主题，肉眼可见地受到寺山修司、园子温（东京嘎嘎嘎）等等这批导演的影响，用那种撕裂式的，迷茫式的，有点目中无人但又自弃的方式，但又没有丝毫进步性，甚至它的形式都不如和它表达同样主题的二十多分钟短片《就这样，我们把金鱼放入了泳池》。

也就是说，你看了这部电影后，不会跟电影里面的任何人产生共鸣，哪怕你跟他们是同龄人。

或许在某些时期，可能十几岁将近二十岁的时候，会觉得这种形式非常前卫、实验，但是很快就会发现这种东西没有价值。

它只是简单地把青春与外界做了一个喧闹的二元对立，除此之外没有任何东西。

它想用一种前卫的方式，但表达的东西却很传统俗套，甚至说那些技法其实也并不新了。

它让人厌恶并不由于青春本身，也不是青春叛逆或是对它的表达之类，而是这个导演竟然要拍这种东西，是导演本身这种创作意识在影片中的强烈出现和肤浅让人反感。

简而言之，一种无聊的自我欺骗。

出生于1985年的松居大悟是日本影坛近年来颇受人气的新星，他既担纲演员，又足可胜任导演，2016年执导的《安昙春子下落不明》获东京电影节主竞赛单元最佳影片提名；2017年在电影版《昼颜》中有过出演，更因执导剧集《Byplayers：如果这6名配角共同生活的话》而备受瞩目（续集同受好评）；今年推出的《冰淇淋与雨声》和《你因你是你》也收获了比较两极化的口碑，喜爱者觉得新奇有趣、富有创造力，厌恶者则认为矫情做作、故弄玄虚，而笔者在观看《冰淇淋与雨声》后甚是喜欢，几乎可视作日影近几年难得的惊喜佳作。

精妙的时空转换本片讲述的是一群年轻人排练即将上演的舞台剧的过程，从面试开始，到公演前三周的彩排初期，时间轴以倒计时推进，直至开演前最后一天、最后一小时、最后一分钟……期间，剧团虽遭遇过表演不尽人意、合作不力等困扰，但最大的麻烦是迎来被告知取消演出的晴天霹雳——只因演员们不是大牌明星，缺乏票房号召力，制作方考虑到盈利困难，遂停演。

演员们决心冲破阻挠，以自己的方式上台“演出”。

影片最大亮点是一镜到底，说起一镜到底，影迷们脑海中迅速联想到的，不外是《鸟人》、《维多利亚》、《俄罗斯方舟》、《鱼与猫》、《大空港》，以及缝合较明显的《夺魂锁》。

然而成也萧何败也萧何，一镜到底在吸睛的同时，也往往流于刻意的匠气，有时甚至为了方便、迎合一个镜头内的调度，甚至不惜牺牲叙事的流畅、构图的合理；而且不少“一镜到底”并非是天然的一个take，而是由各组长镜头联合而成，是谓“伪” 一镜。

不过，本片的“一镜到底”是「时间」与「空间」的粘合剂与转换器，它将真实的物理时间长度化为空间内的调度，巧妙实现时空过度与转场，无缝对接「现实」与「戏剧」，调度堪称精妙。

跨越几个星期的事件，如何在一个镜头内展现时间的流动？

影片以出入不同场景空间作为转场的手段，也标注出时间节点，这样既丰富了场域信息，又保持、绵延了人物在单个镜头内的情绪状态。

观看时仔细分辨是否真正的“一镜”，并未看出任何明显的缝合处，虽说影片只有74分钟，但可以猜测是进行了大量现场训练与调度指导，才能将时间点掐得如此精准，且与剧本的发展完全贴合、恰切。

如此老道的手法，于一位青年导演来讲，对影像与镜头的掌控力，对文本的捕捉力，都是相当惊人的。

因此，“一镜到底”于本片来讲，不仅是一种技术手段，更是服务于叙事推进的必要因素，唯有才保持时间流动的状态下，观众才能透过被打破的第四堵墙，真正浸入其间，体验到虚实泯灭、现实与戏剧浑然一体的共情。

梦想照见现实影片用改变画幅来作为「现实」与「戏剧」形式上的区分符号，角色言谈内容亦可清楚界定。

「戏剧」的文本内外是两个同样悲伤而激愤的故事——戏内是两个女孩与一个男孩因没有出路而丧失生之希望的悲剧，戏外是一群青年无法达成梦想的苦闷呐喊。

而在这两重结构之外，是坐在影院中观看这出戏中戏的观众们，无论是与哪一重的戏剧内容有共鸣，都自动化身为第三层的人物，通过观看与被观看，创作的界限显然模糊了。

因此，这既是观众与演出者共同的现实延宕，又更像是现代年轻人共有的一出灰暗梦境，梦醒依然没有尽头，没有未来，没有希望，声声的嘶吼与呐喊撕破舞台的帘幕。

当得知舞台剧被停演，为排练付出诸多心力的演员们决心以自身行动来抗争不公的现实，他们穿越剧院的层层阻碍，终于登上舞台，面对空无一人的观众席，演绎属于自己的戏剧。

这一刻，他们既是舞台上的演员，也是现实中的个体，当梦想在前方召唤，青春的勇气与信念燃烧的力量，终于让梦想穿透进现实。

这种信念在「戏剧」内的呼应是出走的念想，女主身处无爱可诉的环境，致使她冷漠麻木，对母亲和弟弟非常疏远冷淡，当得知唯一的好友离开小镇，她在绝望之中与朋友合伙杀了男友，准备一起逃离。

观众无法得知她曾经受过哪些伤害，才变成如今的模样，但MOROHA乐队以说唱的方式作为介入旁白，成为具有全知视野的第三方，我们可以窥见日常生活是怎样逐渐滑入虚无的深渊与无法自救的黑洞。

说起MOROHA在影片中的表现，也是褒贬不一，不过笔者非常认同这个高度风格化的举措。

伴以清澈、嘹亮、激越的吉他声，年轻一代的迷茫与反叛尽显无遗，自省的意识破壳而出，急促的弦声如跳跃的思维，是无可安放的灵魂呐喊。

“我们是拥有自我意识的宇宙。

”结尾处的陈词动人心魄，拥有光明就不会惧怕黑暗。

《冰淇淋与雨声》8.0《听说桐岛要退部》8.0①发现两部电影或迥异或相似，倒也生搬硬套能说出点关联，偷懒的想法冒出来，就干脆凑一块写了。

《冰》是74分钟的一镜到底，绵延好几周、转换多个场景的时与空，都被一个镜头串到了一起。

《听》从不同视角观察同一时空的相同事件，是错综复杂的一张网。

在观看《冰》时，观众是全程的参与者，始终保持在中二热血的亢奋中。

而在观看《听》时，我们更多是冷静的旁观者，只在结局的阳台上，小小地中二一会。

《冰》的一切目的都是为了一场早已被取消的演出，而《听》里面所有兜兜转转，都是为了一个注定不会出现的人。

他们讲的都是，疼痛的青春。

②《冰》是一部评论两极分化的电影，那么，如何测试你与这部电影的相性呢？

打开音乐软件搜索日本乐队「MOROHA」，听上一会儿，要是没有翻着白眼赶紧关掉，反而津津有味的话，说不定，你会喜欢这部电影的。

③常见的青春片总有少年升学或是转校生忽然到来，于是旧秩序失衡，各种纷争。

《听》反其道而行之，金字塔顶端的风云人物忽然说要离开，所有人于是主动或被动地被打扰，陷入无所适从。

一边是充分可信的微妙细节，一边是《等待戈多》似的荒谬主题，还真是，有意思的剧作。

20190409

电影结尾时，所有演员站在舞台前，面向观众，就像正式的春节联欢晚会结尾，那样告别。

如果你坐得足够靠前，画面中的前排座椅，会无缝衔接到现实中资料馆的座椅。

这种惬意突破次元壁与视角的时刻，实在是经典的电影高潮时刻。

但是，却被导演打断，画面中的演员结束谢幕，互相庆祝，脱离了戏中状态。

镜头也摇晃起来，介于一种废镜头与花絮间的状态。

或许这就是导演铺垫整场的“我对纯粹的电影和话剧不感兴趣，我关心的是介于两者之间的东西”，戏剧在谢幕后结束，电影在cut后告一段落。

但是不暗下来的废镜头画面却依然直播着演员们的生活，心愿得偿，获得认可，拥抱庆祝。

话剧结束后依然是表演，电影结束后依然有记录。

这种中间状态，需要发挥导演浪漫的人生观来寻找：吃着冰淇淋，便是你的电影高潮，听着雨声，就是你得到的掌声

【清存货行动】第一次看一镜到底的影片。

影片好像没太看懂，或许是青春对梦想的执着，不管怎样，最后还是站上了舞台，虽然没有观众，没有掌声，但站上了舞台，那就行了，那份热情被保存，那就够了。

丧丧的，但对未来还是很有希望。

很喜欢最后的rap独白和片尾曲「遠郷タワー」的词：億千万のため息を吸い込んで、希望の言葉に変えて吐くんだ。

億千万の涙を飲み干して、決意の言葉に変えて吐くんだ。

億千万の雨風に流れ、億千万の花が散る。

それでも、一回きりの人生に命をかけて、命を描け。

心の中に咲いた花の名は火花。

生きてる限り叫ぶ花言葉、命をかけて、命を描け。

時間は、時間は全部解決してくれる。

失恋も屈辱も後悔も全部時間が解決してくれる。

今までだってそうだったの。

憎しみも痛みも苦しみも、ついにはいった夢も、やいたがったことも、譲れなかった思いも、全部時間が解決して、なかったことにしてくれる。

それでいいんだ、それが楽なんだ。

それでいいはずなんだ。

だけど、俺は、やっぱり嫌だ。

やっぱり嫌だ。

だって、それは俺のだ。

だって、それは、格好悪くとも、みっともなくとも、それは俺のだ！

返せ！

返せ！

時間に解決されてたまるか！

返せ！

返せ！

返せ！

「遠郷タワー」