永不消逝的电波

这两年正好有两部舞剧电影上映，《永不消逝的电波》和《只此青绿》，两部电影都源自于两部业已成名的舞剧作品，都期望在舞剧电影化的创作中做出一些创新尝试。

但从结果来看，《永》剧不如《青绿》成功，从豆瓣6.6和8.1的评分差距就能看出不少观众的评价倾向。

《永》剧电影版我特意看过两遍，感受大致相同，我认为有三方面的原因值得探讨：1、叙述时空和视角太多。

除开常规的舞台时空外，还有现实街景时空；摄影棚街景时空；纪录片旧时影像时空；以及写意背景视角和舞台反打观众席视角。

六种时空视角的切换有些让观众眼花缭乱。

2、舞剧原则上属于大景别视角欣赏艺术，强调表演者形体动作及舞者、舞台关系，而影片采用了过多的近景中景景别，对于舞蹈呈现有所破坏。

3、过高的剪辑频率破坏了舞蹈呈现的流畅感，有些抒情舞蹈段落镜头只有2、3秒甚至1秒时长，打破了整体美感，以个人感受这类抒情片段更适于使用长镜头呈现，便于观众产生视觉情感共鸣。

当然，我不太认同有些观众认为导演主创“不懂舞剧”或者“不尊重舞剧”的说法，导演郑大圣作为戏剧名门之后这方面的艺术修养应该是足够的。

我认为以上问题的出现可能是属于主创对于舞剧电影的一些有意的探索性尝试，只不过这些尝试可能不被很多观众认可，但即便是不成功，也是一些失败经验的积累，对于今后舞剧电影的创作都是有价值的。

《永不消逝的电波》用电影镜头“重塑”舞台剧的同时，发明性质的创造出一种新的艺术形式，去表达历史影像、真实人物、电影表演、舞台舞蹈，甚至包含了剧院观众和荧幕观众。

导演在拍一种很新的抗战戏《永不消逝的电波》电影日记_哔哩哔哩_bilibili令人深感遗憾的是，部分人在明确所爱之物时候，连爱的东西是什么都很难分辨，往往仅因爱屋及乌的情感而爱一种形式，却忘掉了内核是什么。

我曾在长安大戏院，与众多年长的观众一同购票观影，共同探讨影片中的故事情节。

我能深切感受到，他们对此类作品的真挚喜爱。

然而，这种喜爱的目的何在？

是因其在我们生活中，无论是情感层面还是物质层面，均发挥了诸多实用功能？

还是仅仅为了将其作为个人身份的象征？

以电影《只此青绿》为例，众多观众对传统文化抱有浓厚兴趣。

例如，我的一篇关于《只此青绿》的文章，在绿色平台、B站平台乃至常用的微信平台上均获得了广泛关注。

有人指责我，认为我不应指出影片中的剪辑错误或创作团队的问题，否则便是在阻碍传统文化的传播。

然而，作为城市规划师及独立设计师，我对传统文化的热爱绝对不是拒绝态度。

如梁思成与林徽因，他们运用现代方式测绘古建筑，确保其内容的传承与传播，发挥了至关重要的作用。

在许多情况下，我并非仅为形式而行动。

我认为，许多人之所以喜爱知识与传统文化，或许是在过去崇洋媚外思潮的影响下，内心产生了一种弥补性的情感，他们试图通过喜爱传统文化来抵抗内心的崇洋媚外倾向。

然而，传统文化在家居装修、出游娱乐及教育后代中是否会作为你的首选，这些人依然会掂量一番。

尤为遗憾的是，有观众在绿色平台上留言称，《只此青绿》的创作团队仅有两名舞蹈演员担任导演，原因是之前《永不消逝的电波》的导演郑大圣导致该影片失败。

因此，这两名舞蹈演员决定亲自执导《只此青绿》，他还批评《永不消逝的电波》非常失败。

然而，根据我的观影经验，我曾参与过郑大圣导演的四场电影点映，并与其进行了深入的分享与交流。

作为上海电影协会的前负责人，我认为他的作品不可能犯下常识性的简单错误。

因此，我认为《只此青绿》的爱好者和观众，不应通过贬低《永不消逝的电波》来彰显自己的喜好，从而回避《只此青绿》中可能存在的调色、隐喻错误及剪辑等问题。

1. 上海轰动一时的舞台剧昨晚，我观看了《永不消逝的电波》。

目前，该影片仅在B站播放，其他平台均未上线。

在分享会上，郑大圣导演曾提及，他手头正忙于将舞台剧《永不消逝的电波》改编为电影。

我曾看过他执导的《廉吏于成龙》，他成功地将一部主旋律现代京剧以电影形式记录下来。

在镜头运用、打破第四面墙及与观众交流等方面，他进行了诸多探索与思考。

因此，我将《永不消逝的电波》标记为我想看的电影。

影片上映后，似乎仅在北京的艺术院线联盟短暂上映，且上映时间极短，几乎找不到其他放映的影院。

幸运的是，昨天早上豆瓣提醒我，该影片已在B站上线。

于是，我迅速向朋友借了一天B站的账号，并观看了这部需要大会员才能观看的影片。

观看后，我对于之前网友的评论有了更深刻的理解。

对于《只此青绿》的喜爱，乃至对传统文化及古画的欣赏，均属个人偏好，无可厚非。

然而，盲目地因爱屋及乌而认为《只此青绿》的导演、调色及剪辑等方面均无可挑剔，无需改进，则显得有失偏颇。

今日，借由《永不消逝的电波》这部电影的日记，意图对比分析两部影片，探讨其可学习与借鉴之处。

今日为2024年11月26日，我所记录的电影为《永不消逝的电波》。

此片源自电影改编的舞台剧，在上海引起轰动后，又被重新拍摄成电影。

这种创作形式堪称前无古人，后无来者。

如何在创作中避免与过往电影雷同，增添新意，是此类作品面临的挑战。

观影时，家人指出该片颇具谍战片的韵味。

尽管以舞台剧形式呈现，但其悬念氛围却非常适合改编为电影。

然而，与《只此青绿》相比，《永不消逝的电波》展现了导演对各种艺术形式特点的融合与取长补短。

每种艺术形式都有其独特之处，当这些长处被巧妙地融入影片时，往往能产生一加一大于二的效果。

2. 艺术融合的逻辑之王在探讨《只此青绿》时，不得不提的一个重大失误是其隐喻错误与视觉逻辑的混乱堆砌。

该片导演似乎过于急于展示自己的舞蹈，将其视为一种美好的形象进行展示。

这种心态类似于初次接触美图秀秀的阿姨，疯狂地使用滤镜和磨皮功能，结果却适得其反，失去了原本的真实感。

相比之下，《永不消逝的电波》的导演对各种艺术形式的特点有着清晰的认识。

根据导演的自述，他从小跟随家人观看京剧等各种表演形式，她母亲则是《人·鬼·情》的导演。

同时，他在国外系统地学习了西方电影语言，这使他能够自如地将舞台剧、电影、历史影像等多种艺术形式，甚至赛博朋克元素等，以电影的形式重新呈现。

这种创作的可能性是极高的。

当前的春晚舞台上，舞蹈类节目则大量运用了3D虚幻引擎与真实舞台相结合的效果，令人震撼。

在《永不消逝的电波》中，同样可以看到这种特点。

影片中，各种艺术形式纷纷呈现，毫不避讳，毫不排斥。

对于年轻人而言，这种杂糅可能显得不够正式。

然而，从《廉吏于成龙》等作品的探索中可以看出，经历过各种场面的人并不畏惧将不同元素杂糅在一起。

例如，张艺谋就曾将西北的面条直接以投影的形式呈现在春晚上，与舞蹈相结合，形成了独特的节目。

这种大俗大雅的结合，正是其独特之处。

回到《永不消逝的电波》，当所有形式结合在一起时，最重要的是保持逻辑的合理性。

这也是《只此青绿》中严重欠缺的地方。

其隐喻逻辑存在错误。

而在《永不消逝的电波》中，作者构建了多重空间，每一层空间之间都保持着严格的逻辑关系。

这类似于京剧中的表演逻辑，角色从哪个门上台、下台，都有其固定的表演规则。

这些规则能够基于逻辑进行创作，表达每个人的特点。

如果没有这些逻辑，直接让人物在舞台上手舞足蹈，那么无论是正常行走还是掺杂情绪，都会显得不合理。

因此，构建逻辑对于电影创作至关重要。

3. 构建“第五面墙”，实现时空对话《永不消逝的电波》首次给我留下深刻印象的逻辑安排，在于剧中人物在做出伟大牺牲之时，画面巧妙地穿插了舞台剧观众的镜头。

这些观众的出现，象征着舞台角色即将离开舞台，步入一个更高维度的空间。

我们作为观众，实则处于他们的高维度视角，这种体验颇为神奇，且在影片中多次出现。

尤其是当多位角色面临生死抉择，他们的画面中融入了观众的凝视，营造出一种强烈的情感共鸣。

影片结尾，男主角步入服装店，镜头从EXIT安全出口巧妙转移，仿佛他正从剧院舞台走向现实，这种设计同样寓意深远。

此类安排使得舞台下的观众与台上的演员之间产生了微妙的互动，演员仿佛真实地跨越了界限，进入了观众的空间，挣脱了原有世界的束缚，进行了一场跨时空的对话。

片尾，上海的场景更是将这种互动推向高潮。

一位已故的男角色与一位在世的女角色，分别位于浦东与浦西，背光与顺光交相辉映，形成了跨越战乱年代与和平年代的对话，将两个截然不同的维度紧密地联系在一起。

不仅如此，影片中的演员在退场时，除了背景中观众的出现，他们还会朝着舞台背景的方向走去，甚至回望一眼，仿佛在与屏幕前的我们——无论是电影院中的观众还是流媒体前的沙发客——进行互动。

这种设计，使得舞台除了传统的第四面墙面对舞台剧观众外，还构建了一面面向电影观众的“第五面墙”。

那些即将离开舞台的角色，仿佛在与我们进行着跨越时空的对话，这种感觉既神奇又深刻。

另一逻辑体现在影片结尾出现的《永不消逝的电波》电影版台词。

这些台词源自一部老电影，而我母亲曾看过，我则未曾涉猎。

这些台词如同一座桥梁，连接着不同的维度。

影片在结尾时，这句台词实现了与古老电影版的呼应与互动，而整个舞台剧在最终的电影版中并未出现任何语言旁白，这句呼应无疑非常震撼，非常适合成为了两个版本之间的纽带。

4. 电影、舞台与真实历史在影片的尾声部分，展现了该故事背后两个人物原型的真实历史故事。

这些真实故事与不同年代、不同版本所杜撰出的故事之间产生了紧密的联系与互动。

当这两个人物的照片出现时，从整个电影的结构视角来看，影片开头所呈现的是一系列宏大的历史影像，它们与舞台剧形成了鲜明的互动。

这些历史影像气势磅礴，但在影片的结尾处，导演巧妙地将这些宏大的元素聚焦于两个人的情感之上，真正触及了观众的心灵深处。

导演并未选择将宏大叙事持续放大，而是将其细腻地融入两个人的情感之中，这种细腻的处理手法同样产生了一种深刻的互动。

在电影呈现舞台剧的过程中，导演对舞台剧的内容进行了一定程度的逻辑加工。

舞台上所表演的内容，实际上是演员们想象出来的场景。

例如，在真实生活中，演员在某个场景下会想象身后有人走过。

在电影录制舞台剧时，导演会补录一些上海弄堂里真实且具有生活气息的环境音和画面，作为现实部分。

然而，当演员突然开始想象身后有人走过时，画面便切换回舞台上的表演方式。

由于舞台剧相较于现实生活更具规律性、韵律感和艺术感，导演巧妙地运用这种逻辑形式，将《永不消逝的电波》中的写实内容与舞台上的表演内容完美融合。

因此，在这些逻辑严密的连接之下，观众在观看这个故事时，会发现这些形式上的呈现同样具备叙事的功能。

这些形式的创新不仅丰富了故事的讲述方式，更让观众在观影过程中产生了深刻的思考。

当观众发现影片中的某个声音来自电影本身，或是在一些惨烈、壮烈的画面中，看到台下几百名观众凝视着屏幕时，这种叙事带来的震撼感已经超越了故事本身。

观众开始思考真实历史与艺术创作之间的微妙关系，这种感觉异常奇妙。

在多次观众的出现、作者以自身身份代入故事以及电影日记的撰写过程中，这种历史的贯通感、创作者与观众之间的共鸣以及不同版本创作者之间的感受，都紧密地呼应和连接在一起，形成了一种难以言喻的深刻体验。

5. 郑大圣的艺术克制因此，我认为《永不消逝的电波》及其导演郑大圣之所以卓越，关键在于其高度的自知之明。

他深刻理解各种艺术形式的特点，并未因将舞台剧录制下来就意图取代观众亲自前往剧院的体验。

例如，在剧中女主角下班回家经过小巷的场景中，他巧妙地利用一群打伞的人来隐喻天空中电波密布的情景，这些电波和信息的接触则需要通过特效来呈现，这一处理极为出色。

在呈现这些落下的电波时，我起初好奇为何没有采用远景来拍摄跳舞人群的完整阵型和队伍。

然而，我后来意识到，如果将舞台剧像《只此青绿》般详尽无遗地以近景和远景交替拍摄，反而会削弱观众前往剧院观看舞台剧的动力。

在观看《永不消逝的电波》后，我深刻感受到，某些镜头并未展现全景，这引发了我强烈的好奇心，渴望在剧院中从全景视角再次观赏这部舞台剧。

当然，我也希望能近距离观赏近景和特写，但受限于剧场条件，只能坐在远景位置。

正是这种对远景的向往，让我更加渴望再次体验这部舞台剧。

我认为郑大圣在某种程度上展现出了极高的克制力，这种克制是非常明智的，它为各种艺术形式保留了活力。

例如，在观影后，我不仅对老版《永不消逝的电波》电影产生了兴趣，也对曾经的翻拍电视剧产生了兴趣，甚至因你推荐的照片而对真实历史人物产生了兴趣。

我可以顺着自己的兴趣去深入研究。

各种艺术形式在此融合，既不打架也不冲突，各自展现着独特的魅力。

与我批评的《只此青绿》中滥用特写、近景和远景来煽情不同，《永不消逝的电波》中的每一个镜头都具有明确的功能性。

例如，开场舞蹈中前景握手时扇子轻微旋转的场景，就能给观众带来强烈的律动感。

这种扇子的旋转所展现的律动感，比《只此青绿》中那些刻意夸张的敲击和扭动更为自然和流畅。

这是因为当镜头旋转幅度变大、整体节奏变缓时，扇子的突然旋转能给观众带来整齐划一、赏心悦目的感觉。

而在《只此青绿》中，镜头和演员都在持续运动，但运动幅度并不大，这种持续的运动反而削弱了观众的视觉感受。

正如物理学原理所述，两辆快速前进的车在相对运动中看起来是静止的。

因此，在《永不消逝的电波》中，特写镜头、中景镜头和远景镜头都有其独特的特点。

有时甚至会引入广角镜头，特别是在女舞蹈演员做出畸形动作时，广角镜头能夸大动作的幅度，强化演员身体的强悍机能。

这些镜头的巧妙运用，无疑增强了观众的视觉体验。

观看《只此青绿》后，观众可能感叹舞蹈演员很多，很复杂，就像棋盘上的棋子一样，但往往难以看清每个细节的功能。

而《永不消逝的电波》则充分利用各种镜头语言，将舞台剧的美好全方位呈现给观众。

时而近观舞台细节，时而远眺全局，这种多角度的呈现方式让观众恨不得亲眼目睹舞台剧的每一个精彩瞬间。

尽管已观看过影片，但观众仍会怀着强烈的愿望，期待再次亲临剧院，感受舞台剧的震撼与魅力。

6. 摩斯密码的细腻质感我认为，《永不消逝的电波》若推出电影原声带，定能吸引众多听众。

片头的《渔光曲》旋律悠扬，逐渐渗透人心，这一经典旋律因张艺谋的《山楂树之恋》而广为人知，深受80后、90后喜爱。

影片结尾处，童声合唱版的《渔光曲》更是动人心弦。

此外，电影中的音乐使用极为克制，与情节发展紧密相连，展现了故事片般的音乐运用技巧。

尤为重要的是，电影保留了舞剧的独特魅力。

例如，男女主角在床前共舞的段落，以及他们得知怀孕即将分离时的舞蹈场景，音乐的巧妙运用与特效画面的精准切入，为这两场舞蹈增添了丰富的内涵。

起初，部分观众可能对频繁切换的花开特效画面感到困惑，但随着情节推进，那些星星点点的电波状图案，既象征着人类繁衍的奥秘，又如同河北打铁树和树花般爆发出顽强的生命力。

电影故意展现舞台与背景之间的边界，使观众仿佛置身于多媒体舞厅之中，深刻感受舞剧与电影艺术的完美融合。

我渴望深入聆听这两段舞蹈之间的音乐，相信它们与舞台剧表演时的音乐有所不同，或许经过了重新编曲和乐器调整。

除此之外，电影中的声音效果也令人印象深刻。

尤其是男女主角在对方肩上敲打摩斯密码的场景，声音质感细腻，如同给大脑做按摩，令人头皮发麻。

在纯静的环境中，他们通过敲打传递信息，避免被监听者察觉。

电影中的环境音和背景音运用丰富，远超舞台剧的表现力。

7. 年轻观众的“艺术盛宴”综上所述，我认为《永不消逝的电波》完全有资格被视作电影学校的经典教材。

它不仅超越了传统电影学校的框架，更在其创作过程中融合了多种艺术形式。

例如，它借鉴了卓别林的默片元素，融入了舞台剧的表现手法，并且在武术表演中，我们不难发现从戏曲中汲取的灵感。

此外，在影片的剪辑过程中，导演巧妙地运用了多种技巧。

影片开头的剪辑风格类似于春晚的舞台呈现，注重整体效果的展现；而当故事性逐渐增强时，剪辑则更加注重细节，镜头并未过分贴近演员，而是保持了适当的距离，同时剪辑速度也相应加快。

特别是影片中一场精彩的打戏，通过不同角度和位置的拍摄，展现了极高的制作水准。

这让我想起了王家卫导演在《一代宗师》中，为了拍摄一场打戏，不惜花费数月时间，甚至导致主演梁朝伟肺部发炎的敬业精神。

同时，《永不消逝的电波》中对于影子的运用也颇具匠心，这些元素共同构成了影片独特的艺术风格。

综上所述，我认为该片完全有资格成为电影教学的经典案例。

《永不消逝的电波》不仅是一部电影教材的典范，同时也为舞蹈剧和默片提供了宝贵的教学素材。

能够达到如此高度的导演实属罕见，这主要归因于几个关键因素。

首先，该片的主题选择便非一般导演所能驾驭。

导演郑大圣的作品，如《廉吏于成龙》、《危城之恋》和《天津闲人》的姊妹片，以及《古玩》等，均展现出其独特的历史思考和艺术追求，而非单纯追求商业利益。

此外，《我本是高山》这部作品更是颠覆了传统主旋律内容的常规表达，令人耳目一新。

在当今时代，许多经典作品面临着如何以更加直接且年轻化的形式被广大观众，尤其是年轻观众、新观众以及创意爱好者所接受的挑战。

若将经典作品高高在上，与观众脱节，特别是与那些追求新鲜感和创意的年轻观众脱节，那么这些作品很容易陷入断代和失传的危机。

因此，如何平衡经典与创新，使作品既保持其艺术价值，又能贴近观众，成为当前艺术创作的重要课题。

而《永不消逝的电波》则在这一方面做出了积极的探索与尝试。

我衷心希望《永不消逝的电波》能够吸引更多观众，因为它的形式新颖、内容深刻，值得传承和发扬。

电影版在B站独播，我认为是非常合适的选择。

B站作为年轻人的聚集地，拥有广泛的受众基础，同时积极传播正能量。

这部电影在B站独播，既能吸引年轻观众，又能传承经典文化，实现艺术与商业的双赢。

当然，如果舞台剧在北京演出，我也会毫不犹豫地购票观看。

以上便是我对电影《永不消逝的电波》的日记。

第一次看舞台剧电影，看的是杭州路演场。

迟了一小会，但是提早离场了。

🩵优点：1️⃣画面很精美 ，看得出来是舞台剧演员导演领域的拔尖老师们制作的。

场地 画质色彩 氛围都很到位。

演员们外形 身材 妆造都很话剧演员。

还有觉得旗袍好好看。

2️⃣全片是默片 没有台词，这种形式很新鲜。

🩵缺点1️⃣题材小众，容易觉得无聊。

拍的人可能很用心，但是不太能靠个人买账 ，需要组织买账。

2️⃣观影人员审美音乐门槛有要求。

3️⃣电影题材 拍摄手法 内核 即使结合了新形式，还是觉得很老套。

4️⃣本电影导演的镜头好晃啊，一直转来转去，觉得有点没看懂。

🩵私心：1️⃣电影会有越来越多的形式素材。

这是大趋势。

因为它可以不限时间空间场地，可以结合互联网被更久远的保留下来。

2️⃣但其实我认为舞台剧是不适合作为电影的。

舞台剧要的就是一个即时表演，要的是观众沉浸 ，以及一部分的观众演员互动。

而这个在电影中是无法完成的，只有一个单向体验的过程。

有幸观看了舞剧电影《永不消逝的电波》的“致敬场”观摩活动，地点在美琪大戏院，一进门就看到现场布置了旗袍和李白家书，氛围感一下子就有了。

舞剧固然有令人赞叹的舞段，但真正吸引我的，是其作为完整剧作的叙事手法和对人物情感的精准描绘。

非舞蹈部分的肢体细节，为角色注入了丰富的内心世界，让每一位角色都鲜活起来，不再是简单的舞台符号。

每次观看，我都选择将注意力集中在一个角色上，总能发现新的故事线索和情感表达，这种体验让我倍感满足。

此次观影，电影院的硬件设施也为带来了极佳的沉浸体验。

音响清晰，无杂音，舞台高度适中，座位宽敞舒适，让我得以全身心地投入到剧情中。

兰芬和女特务在裁缝店对峙的那一段戏，氛围紧张惊险，舞蹈演员们的表达非常棒！

我能够清晰地看到角色的微表情，听到他们在紧张、难过或喜悦时的呼吸声，以及节奏精准的舞步声。

这样的外界条件加成，让我仿佛置身于一个真实而动人的世界。

去年观看舞剧时，我曾对自己的观察力颇为自信，能够捕捉到人物的行为动机和情感表达。

但今年再次观看舞剧电影，我依然能从中发现新的信息，这不得不归功于台上舞者们的精湛技艺和深刻理解。

他们用自己的身体语言，将角色的情感和故事展现得淋漓尽致，让我为之动容。

先上观点：作为电影不及格，导演属于我直接避雷的程度电影爱好者和舞蹈生对这部电影是否应该出现观众褒贬不一首先，这是一部能透过稀巴碎的镜头语言感觉到原版舞剧应该是非常好看的电影。

其次，镜头语言是时有时无的，第四面墙是要打破的，安全出口出来的一瞬间幽默到令我笑出了声。

不可否认，剧情镜头和舞剧衔接有部分是很巧妙的(是否是原版自带的编排存疑)但是和全片稀碎的镜头比起来真的太少了。

令我非常费解的三次打破第四面墙的意义在哪里？

疯狂的越轴和乌泱泱的剧场人头，这镜头好看吗？

舞剧演员的身姿好看吗？

明明有更好的打破第四面墙的方式，这都不愿意认真打磨吗？

而且分离前夕男主捂嘴女主那一段，这段谁编排的？

很不适的镜头表现手法，那么多种表现个人情怀和家国使命的手法你非得把女主塑造成一个歇斯底里的女人吗。

电影中不需要出现观众来打破电影的平衡，不应该由导演扯着我们去欣赏“你看，多悲壮啊！

你该鼓掌了！

”当电影爱好者被镜头创的稀巴碎的时候，舞蹈生从另一个角度(从业)提出了她们的想法“观众是舞剧中的一个重要组成部分，出现观众是一件再正常不过的事，不加观众那你为什么要叫舞剧电影呢？

”“我认为这部剧降低了大众对于舞剧的观演门槛”回到标题，也许舞剧中观众是不可或缺的组成部分，但是电影艺术，真的需要频繁打破第四面墙出现观众吗？

对于电影来说，买票去电影院的我们，才应该是观众吧。

着重一提，电影主演跳的非常好！

跳舞部分的编排完全没有任何问题！

总之，电影《永不消逝的电波》是一部普通电影爱好者去看会如坐针毡，骂骂咧咧的的作品，但是对于对舞剧感兴趣纯看舞蹈还算对得起票钱的作品。

有些剧透长河漫去，唯爱与信念永存。

一部比较特别的电影，舞剧改编整部影片中融入了真实影片、场景设计、舞台呈现，有机结合，衔接自然，虚实结合。

纺织女工和抗日战士携手成为交通联络员，开展和敌人斗智斗勇的战斗。

影片中，每个人都演技舞技双重呈现，很真实。

消息在衣服里，在换掉的丝带里，在皮尺上，有勇有谋。

车夫牺牲了、交通员牺牲了、裁缝牺牲了、联络员牺牲了…每个人都毅然决然赴死他们来不及道别，倒在了去往光明的路上，胜利的前夕活着的人万分悲痛，但，任务还没有完成，继续战友情、爱情、父子情、爱国情，情情交织在面对国家时，每个人的神情都是那么的坚毅舞美也超赞，场景很美，电波融进了雨里，背景里，人与人的情感里服设也很美，注意到了女主角的旗袍，背景色不同，很符合场景，轻松的，紧张的，急迫的，温情的，不舍的，很美手指的敲动是藏在心里的爱意永不消逝的电波，如同永不消逝的深爱

《永不消逝的电波》不仅是一部舞剧电影，更是一次穿越时空的精神洗礼。

对于我这个对主旋律题材并不特别敏感的人来说，这部电影却以其独特的叙事方式和深刻的情感内核，深深地打动了我。

影片中的李侠和兰芬，从并肩战斗的革命战友到深情相依的恋人，他们之间的感情发展自然且动人。

他们的故事，不是孤立的英雄主义赞歌，而是一群有着共同信念的人们为了理想而奋斗的缩影。

小裁缝的热血与稚嫩、老裁缝的隐忍与坚持，每一个角色的牺牲都显得那么沉重而又充满力量，他们用自己的生命诠释了“长河无声奔去，唯爱与信念永存”的深刻内涵。

电影的灯光和音效设计堪称完美，营造出的氛围让人仿佛置身于那个动荡的年代。

雨滴落下的声音逼真而紧迫，每一次枪响都让人心跳加速，鲜红的灯光映衬着危险的气息，让人不自觉地紧张起来。

这种沉浸式的观影体验，让我第一次感受到了语言的贫瘠，因为任何文字都难以准确描述那种直击内心的震撼。

舞者们通过身体语言，在明暗之间传达出时空交错、非线性叙事的画面，这种表现方式甚至比经过技术重建的电影更加生动和真实。

在恢弘沉重的音乐声中，我被深深地打动，眼泪不自觉地流淌下来。

《永不消逝的电波》不仅仅是一部艺术作品，它更是一次对历史的回顾和对革命精神的致敬。

李侠虽然没能等到中国的解放，但他的信念和爱却通过兰芬和他们新出生的孩子得以延续。

这部电影让我深刻地感受到了革命先辈们为了理想和信念所做出的巨大牺牲，也让我更加珍惜当下的和平与安宁。

最后，我要感谢这部电影，感谢李侠、兰芬以及为革命牺牲的无数同志们。

他们的故事将永远激励着我们前行。

第一次看舞剧电影，也是第一次看舞剧。

刚开始看的时候第一反应是非常不习惯，整部电影没有一句台词，观众需要完全通过舞蹈演员的肢体语言体会其中想表达的情绪。

但是看完整部电影之后，我感受到原来肢体语言和演员的表情就足以让人深入到故事线中。

首先是电影英文名 Red radio over Shanghai，足够让我清楚这是专属于革命的红色电波，是象征着胜利的电波。

电影中作为雨滴的电波，电影中李侠与兰芬相拥时打出的电波，相结合成为一种永不消逝的电波。

是革命的信念，是爱。

其次，舞蹈演员们对于肢体的控制力让情绪的表达变得更为流畅。

对于第一次接触舞剧的我来说，电影与舞剧的结合能更让我更快体会到舞剧的魅力，也会让我更加坚定相信舞台剧所呈现的效果一定会与电影有所不同。

就我个人而言，影片更像是一种浓缩的舞台剧。

为了电影的效果，相较于舞台剧也许舍弃了较多情感抒发的桥段，希望可以有机会看一下舞台剧！

Atzn2024.6.25晚

明明人家舞剧就还在演出的，摆明了电影就不会是舞剧的替代品，这价格都差多少倍了。

主创不都说了还是希望大家去剧院看演出。

反正作为一个看过原舞剧已经有点不记得具体内容的普通观众，看完电影确实还蛮想去剧院二刷一下的。

电影很多细节是原来根本没注意到的。

出品方绝对用心良苦。

以及，这么多人觉得出戏的观众席镜头，恰恰就是我的泪点，历史与现实的呼应有很强烈的真实感，所以有没有发现，所有观众席都出现在烈士牺牲的段落，光这一点就叫人鸡皮疙瘩一身了。

已被确定为6月15日上海国际电影节开幕大片、6月18日全国上映的舞剧电影《永不消逝的电波》，以舞台的假定性与电影的纪实性之结合，完成了凄美、壮美、唯美“三美一体”的红色IP叙事。

巨大的看不甚清晰的脸部，布满了整个银幕。

朦胧的晨曦中，宝塔山前，八路军战士李侠缓缓脱下军帽，同样的朦胧中，纺织女工兰芬慢慢脱下白色的工作帽；李侠一袭长衫，戴上那副具有标志性的圆形眼镜，长长织布机前的身材修长的兰芬换上粉色的旗袍，高高举起全剧中须臾不曾离的那只黑色手提包；最后战士李侠庄重地举起右手，向着延河之滨巍巍宝塔敬礼……就像一幅湿漉漉的水墨画。

5月27日，上海解放75周年当晚，由上海歌舞团携手上海尚世影业有限公司推出的舞剧电影《永不消逝的电波》就这样撩开了她神秘的面纱。

这部长达90分钟，只有一句画外音的影片令在场的观众热泪盈眶，心潮激荡。

放映结束，全场观众依然沉浸在剧中，最后才爆发出呼啸的欢呼和热烈的掌声。

这是上海这座光荣之城、英雄之城、伟大之城写给新中国成立75周年的一封红色情书。

1948年12月30日凌晨，潜伏上海12年、负责秘密电台的地下党员李白被捕，他宁死不屈，就在上海解放的20天前，他英勇牺牲。

从生活到艺术，1958年，孙道临主演的电影《永不消逝的电波》上映，主人公李侠头戴耳机，向延安发出最后一份电报时冷峻英俊的英雄形象，成为中国电影不可磨灭的经典的时代记忆之一。

2018年，上海歌舞团创排了舞剧《永不消逝的电波》，首演轰动，全国巡演近620场，魅力不减，激起了巨大的观演狂飙，不乏连续刷剧、追剧者，甚至难以想象地出现了连刷50场的热情观众。

这部舞剧也成为了一部真正意义上的现象级舞剧。

我一直担心舞剧电影《永不消逝的电波》如何面对舞剧《永不消逝的电波》。

令人欣慰的是，出身文艺世家的电影导演郑大圣，以其深厚的艺术修养和艺术感觉，调动了主演王佳俊和朱洁静这两位青年舞者潜在的艺术天赋，以高度电影化的叙事语言，激发出舞剧巨大的新质审美能量。

除了进剧场，又有一种打开舞剧美丽的全新方式——舞剧电影。

审美，打开历史的方式是多种多样的，给人的艺术震撼也是多种多样平行不悖的，哪怕面对的是同一对象。

影片不是舞剧拷贝和翻拍，而是一种全新的解读和再现，是对舞剧结构的分解和重构。

影片开始的“长河无声奔去，唯爱与信念永存”的引子和“我想念你们”的结尾，如一本大书的封面和封底，遥相呼应。

而那段充满着上海烟火气息，涂满唯美主义色彩，在《渔光曲》旋律中展开的身着旗袍手执蒲扇的群舞，则先声夺人地成为影片正式开始的第一场。

而那段婀娜的舞蹈律动中，穿插了光斑闪烁动荡不安的旧上海黑白纪录片画面。

全片中还不时出现上海街头弄堂日常生活的画面，荡气回肠的英雄主义和辅以扑面而来的市井气息，给人广阔的联想。

影片充分发挥了电影蒙太奇镜头转换、组接自由流动的灵动性，丰富拓展了舞台表演的内涵。

在镜头摇移推拉的镜头运动中，展现了李侠发报时，话务机、收音机、楼梯、阁楼的战斗环境；兰芬画眉毛、结围巾、吃早餐的细节；电梯中与女特务柳妮娜不期而遇穿插了拷打的镣铐声、惨叫声；李侠阅读带血报纸之际独舞的极度悲痛、传递情报三人舞的心理高度紧张，就连面部表情都在特写镜头中得到了有力的表现。

小裁缝牺牲的那场戏，从电车里他抢下李侠脖子上红围巾的一瞬间，镜头始终聚焦，直到枪响那一刻他倒在潮湿的电车路轨旁。

红围巾、白兰花充满画面，卖花女孩消瘦的身影飘然而过，虚化的白色背景前，观众看到李侠在教小战士读书识字的动人情景，镜头又突然回到面向着观众的剧场舞台…… 我非常欣赏青年舞者王佳俊和朱洁静在影片中的表现。

他们不断突破自我，升华了艺术表演，其才华不仅在动作的飘逸舒展，还在情节节点上有爆发力的高超的肢体语言，而且进一步发挥了连电影表演艺术家潘虹都赞叹不已的体验人物内心的能力，刻画了人物感情世界和内在精神气质，实现了“舞蹈生活化，生活舞蹈化”的结合。

李侠看到战友牺牲的内心悲痛和克制、发报时如战士一般的坚定，以及书生的儒雅、牺牲前的从容；兰芬诀别爱人生离死别时的悲痛欲绝，还有双人舞目光交集时流露出的甜蜜爱意——所有的肢体律动都写在眉眼之间。

他们气息相通，舞姿饱含情感浓度，达到了表演和生活、演员和角色、灵魂和肉体高度融合的审美境界。

他们对非舞台表演的强大适应能力，即使经过镜头的特写，依然经得起我们严厉的挑剔。

他们让我们感受到了共产党人在白色恐怖下险恶环境中内心深刻的信仰力量，还有并肩战斗的夫妻之间平静朴素真挚且坚定不移的爱。

而1958年孙道临让我们怀念了几十年的声音，“同志们，永别了。

我想念你们！

”在霞光中回荡，作为影片的结尾，堪称神来之笔。

舞剧电影《永不消逝的电波》以舞台的假定定性与电影的纪实性之结合，完成了凄美、壮美、唯美“三美一体”的红色IP叙事。